Read Christian and Oriental Philosophy of Art by Ananda K. Coomaraswamy Online


The late Ananda K. Coomaraswamy, curator of Indian art at the Boston Museum of Fine Arts, uniquely combined art historian, philosopher, orientalist, linguist, and expositor in his person. His knowledge of the arts and handcrafts of the Orient was unexcelled and his numerous monographs on Oriental art either established or revolutionized entire fields. He was also a great OThe late Ananda K. Coomaraswamy, curator of Indian art at the Boston Museum of Fine Arts, uniquely combined art historian, philosopher, orientalist, linguist, and expositor in his person. His knowledge of the arts and handcrafts of the Orient was unexcelled and his numerous monographs on Oriental art either established or revolutionized entire fields. He was also a great Orientalist, with an almost unmatched understanding of traditional culture. He covered the philosophic and religious experience of the entire premodern world, east and west, and for him primitive, medieval European, and classical Indian experiences of truth and art were only different dialects in a common language.Finally, Coomaraswamy was a provocative writer, whose erudition was expressed in a delightful, aphoristic style. The nine essays in this book are among his most stimulating. They discuss such matters as the true function of aesthetics in art, the importance of symbolism, and the importance of intellectual and philosophical background to the artists; they demonstrate that abstract art and primitive art, despite superficial resemblances, are completely divergent; and they deal with the common philosophy which pervades all great art, the nature of medieval art, folklore, and modern art, the beauty inherent in mathematics, and the union of traditional symbolism and individual portraiture in premodern cultures....

Title : Christian and Oriental Philosophy of Art
Author :
Rating :
ISBN : 9780486203782
Format Type : Paperback
Number of Pages : 160 Pages
Status : Available For Download
Last checked : 21 Minutes ago!

Christian and Oriental Philosophy of Art Reviews

  • Glenn Russell
    2019-05-19 03:26

    Ananda K. Coomaraswamy is an art critic and spokesperson for the perennial philosophy of Plato, Plotinus, Bonaventura, Aquinas, Meister Eckhart and the Upanishads. There is not a word in these nine essays about the aesthetic theories by authors writing at the same time as Coomaraswamy, writers such as John Dewey, George Santayana, or Ernest Gombrich. Why? Because Coomaraswamy does not have the slightest interest in aesthetics or aesthetic experience. To have a clear understanding of Coomarasway's foundational and key ideas about art, here are several quotes from his main essay in this collection. Beneath each quote is my own brief commentary."The artist is not a special kind of man, but every man who is not an artist in some field, every man without a vocation, is an idler." Coomaraswamy tells us in traditional societies the artist is not a special kind of man but every man is a special kind of artist. Think here of a medieval cathedral that was built by vast numbers of craftsmen who wouldn't think of signing their work. He rebels against our modern world were we make a sharp distinction between an artist (the special kind of man) painting his artwork to be displayed in a museum and the factory worker (an ordinary or `un-special' kind of man) on the assembly line. Thus, Coomaraswamy says, "Industry without art is brutality.""The practice of art can never be, unless for the sentimentalist who lives for pleasure, an 'art for art's sake', that is to say a production of 'fine' or useless objects only that we may be delighted by 'fine colors and sounds'. The greater part of our boasted 'love of art' is nothing but the enjoyment of comfortable feelings." For Coomaraswamy, the fine colors of impressionist painters like Monet, Cezanne, Renoir, and Seurat are only that, fine colors, the aesthetic surface of life, where the viewer is encouraged to `love art' and enjoy comfortable feelings. These fine colors are a world away from the metaphysical and spiritual ideas represented by statues in a medieval monastery or an ancient Buddhist temple."It is just insofar as we do now see only the things as they are in themselves, and only ourselves as we are in ourselves, that we have killed the metaphysical man and shut ourselves up in the dismal cave of functional and economic determinism." Here Coomaraswamy observes how we in our modern technological world of high specialization have shattered the wholeness of our spiritual inner selves; our everyday life of activity (making of things) and interaction with the world is not an expression of our total human nature, but rather is reduced to mere function and utility. The art produced in such a society also reflects this alienation. One can imagine what must have gone through Coomaraswamy's mind when viewing Duchamp's Fountain (a porcelain urinal) or a painting of Max Ernst or Pablo Picasso."Our conception of art as essentially the expression of a personality, or whole view of genius, our impertinent curiosities about the artist's private life, all these things are the products of a perverted individualism and prevent our understanding of the nature of medieval and oriental art." How many biographies and commentaries have been written on the life of Picasso, Jackson Pollock, Andy Warhol? Coomaraswamy would not be impressed; rather, he would see all such writing as so much obsession with personality and an expression of perverse individualism. What would be at the absolute opposite end of the artistic spectrum from Coomaraswamy's philosophy? How about three quotes from Andy Warhol - 1) Art is what you can get away with. 2) An artist is a person who produces things that people don't need to have. 3) I am a deeply superficial person."We have emphasized that art is for the man, and not the man for art: that whatever is made only to give pleasure is a luxury and that the love of art under these conditions becomes a mortal sin." I recommend a careful reading of this collection of Coomaraswamy's essays. You don't necessarily have to entirely agree with his philosophy of art to appreciate his perspective on how art was integrated into traditional societies and how our modern world has gone off in other directions.

  • Mark Beaulieu
    2019-06-15 20:20

    A gift to the western civilized artist. This succinct book with short essays will stir your understanding about museums and art across the planet and across time.

  • Emerson Fortier
    2019-06-07 21:23

    Ananda Coomeraswamy's philosophy is everything that the west has come to associate with Eastern Mysticism. In this collection of Essay's Ananda shows his audiences that this philosophy of art, not only as a means for making things, but as a means for contemplating the meaning of the universe and our role in it, is just as prevalent in the old traditional philosophy of our own heritage, in such writers as Plotinus, Plato, Augustine, and Thomas Aquinas. As a result his essays are countercultural in just the right way. He rebels from secular and contemporary society's views of art, not because of a distaste for what it produces, but out of an understanding the the universe demands more from those who make than that they produce pretty pictures, rather, that they produce pictures with real meaning, to capture and convey the nature of the world around us, and to elevate us, ultimately, to the divine and perfected realm accessible only through contemplation. Art, Coomeraswamy argues, whether an agricultural tool or a painting, is best only when it is designed to aid us in attaining that state of contemplation of the divine and all that it implies about our universe. This really is a wonderful read. I would recommend it to anyone, artist or not. In several of the essays Coomeraswamy even goes so far as to suggest that man cannot call himself a man unless... he is also an artist. But he defines artist in a very traditional way you'll have to read to find out. This book deserves more popularity than it has received.

  • Jason Gregory
    2019-06-15 21:29

    Ananda K. Coomaraswamy brings to life what has been lost in the form of an artistic process and what it means to be an artist. He outlines the current separation between industry and art that is increasingly turning our world into a more materialistic world rather than creatively inspired where individuals follow their own nature, being art. This is really an essential book for anyone interested in art and how it is produced and also its psychological impact it has on the patron of art and the artist themselves. Coomaraswamy's work goes deep into perennial philosophy and how art is an intrinsic part of that enduring understanding beneath all religions and spiritual traditions. A copy of this beside his other book "The Dance of Shiva" would complement anyone's library and understanding of the beauty in life.

  • Jake
    2019-06-10 22:38

    Joseph Campbell and Wendell Berry both praised this author in books I'd read recently. He's very smart and a good philosopher/writer who opposed the "art for art's sake" mentality. True art has a function. A phone booth can be as beautiful as a cathedral. I respected what I read, I just didn't get into the groove of it. I was left cold, so 2 stars.

  • Comptes Rendus de René Guénon
    2019-06-19 00:20

    [Book Previously called Why exhibit Works of Art ?]Dans ce volume, M. Coomaraswamy a réuni diverses études « sur la vue traditionnelle ou normale de l’art », dont quelques-unes sont déjà connues de nos lecteurs. Dans la première, qui donne son titre au livre, l’auteur montre d’abord l’inutilité d’exposer dans les musées des œuvres d’artistes vivants, ce qui ne peut avoir d’autres raisons que de satisfaire la vanité de ceux-ci ou de leur faire une sorte de « réclame » commerciale gratuite ; du reste, tout objet, de quelque genre qu’il soit, devrait normalement être fait pour des fins qui n’ont rien de commun avec une telle exposition. Quand il s’agit au contraire d’objets anciens ou exotiques, la question est toute différente, et l’on peut alors parler d’un but « éducatif », mais seulement à certaines conditions : ce qui doit être compris avant tout, à cet égard, c’est le point de vue même de ceux qui firent ces œuvres d’art, lesquelles n’étaient nullement pour eux, comme pour les modernes, des objets inutiles et n’ayant d’autre valeur que celle qui résulte d’une appréciation « esthétique », c’est-à-dire purement sentimentale. Selon toute conception traditionnelle (et le témoignage de Platon est cité ici tout particulièrement), une œuvre d’art ne méritait vraiment ce nom que si elle était apte à satisfaire en même temps des besoins d’ordre corporel et spirituel, c’est-à-dire si elle était tout à la fois un objet usuel et un « support de contemplation ». En pareil cas, il s’agit toujours essentiellement de la représentation de formes invisibles et intelligibles, et non point de l’imitation des choses sensibles, le véritable modèle d’après lequel l’artiste travaille étant une idée qu’il contemple en lui-même ; en d’autres termes, il n’y a d’art réel que celui qui présente une signification symbolique, et, en ce sens, l’art est en quelque sorte l’antithèse de ce que les modernes entendent par « éducation visuelle ». D’autre part, le public devrait être naturellement amené à se demander pourquoi des objets d’une qualité comparable à ceux qu’il voit dans les musées ne se trouvent plus aujourd’hui dans l’usage courant, et à se rendre compte par là de la profonde déchéance qu’implique l’état de choses actuel, avec la séparation complète, qui y est établie entre une production industrielle qui n’a absolument rien d’artistique et un art qui n’a plus aucun rapport réel avec la vie. Enfin, il est essentiel, pour comprendre les œuvres d’art, de ne pas les interpréter dans les termes de la psychologie occidentale moderne, et, en particulier, d’écarter complètement le point de vue « esthétique » avec tout ce qu’il comporte, aussi bien que l’idée d’une « ornementation » dépourvue de signification, ou encore de celle d’une « inspiration » supposée provenir d’objets extérieurs, ce qui n’est d’ailleurs qu’un grossier contresens bien caractéristique de la confusion moderne ; le rôle d’un musée ne doit pas être d’amuser le public ou de flatter ses goûts, mais de faire appel à ses facultés de compréhension et de lui montrer en quoi consiste réellement la vérité et la beauté d’une œuvre d’art. – Le second chapitre, The Christian and Oriental or True Philosophy of Art, le troisième, Is Art Superstition or a Way of Life ? et le quatrième, What is the Use of Art anyway ? ont été publiés précédemment en brochures séparées dont nous avons rendu compte en leur temps (voir n°5 d’avril et juillet 1937, de novembre et décembre 1937 et de janvier 1940). À la seconde de ces trois études a été ajoutée une note répondant à un critique qui avait reproché à l’auteur de préconiser le « retour à un état de choses passé », celui du moyen âge, alors qu’il s’agissait en réalité d’un « retour aux premiers principes », comme si ces principes pouvaient dépendre d’une question d’époque, et comme si leur vérité n’était pas essentiellement intemporelle ! – Dans Beauty and Truth, qui porte en épigraphe cette citation de saint Thomas d’Aquin : « Ex divina pulchritudine esse omnium derivatur », la connexion de la beauté avec la faculté cognitive, et par suite avec la sagesse et la vérité, est expliquée en se référant principalement aux doctrines du moyen âge chrétien ; et l’application en est faite aux œuvres écrites aussi bien qu’aux monuments architecturaux de cette époque, les mêmes principes étant également valables pour toutes les formes de l’art traditionnel. – Nous avons déjà parlé de The Nature of Mediaeval Art lors de sa publication en article (voir n° de mai l940). – The Traditional Conception of Ideal Portraiture expose tout d’abord la distinction qui est faite, dans les textes indiens (hindous et bouddhiques), entre l’apparence extérieure d’un homme, avec ses particularités individuelles, et l’image intérieure de l’homme, invisible à l’œil corporel, mais accessible à l’œil de la contemplation ; cette dernière est proprement celle d’un « type » qui correspond à l’essence spirituelle de l’être, et c’est à cette conception que se rapportent toutes les figurations hiératiques dans lesquelles la ressemblance physique n’est aucunement prise en considération, à tel point que souvent de tels « portraits » se distinguent à peine des images divines. Ensuite sont étudiés des textes occidentaux faisant la même distinction fondamentale, depuis les livres hermétiques et les néo-platoniciens jusqu’à Eckart ; à ce propos, M. Coomaraswamy fait remarquer très justement que le texte évangélique bien connu : « Celui qui M’a vu a vu le Père » (St Jean, XIV, 9), ne peut évidemment s’entendre d’une apparence humaine visible corporellement, et implique par conséquent aussi cette même distinction. L’art chrétien du moyen âge présente aussi des figures hiératiques tout à fait comparables à celles de l’Inde, et également dépouillées des caractères individuels ; mais la tendance « naturaliste » et « humaniste », visant uniquement à reproduire la ressemblance physique de l’homme, commence à apparaître dès la fin du XIIIe siècle (qui est aussi, comme nous l’avons expliqué en diverses occasions, la fin du véritable moyen âge), et son accentuation graduelle est liée à tout l’ensemble de la dégénérescence moderne. – Vient ensuite The Nature of « Folklore » and « Popular Art », qui est le texte anglais d’un article paru ici même (n° de juin 1937). – Enfin, le volume se termine par une note intitulée Beauty of Mathematics, à propos d’un ouvrage du professeur G. H. Hardy, A Mathematician’s Apology ; celui-ci, qui semble ne connaître que les conceptions modernes et « esthétiques » de l’art, met pour cette raison la beauté des mathématiques au-dessus de celle de l’art ; mais M. Coomaraswamy montre que, s’il avait connu les conceptions traditionnelles, il aurait vu que c’est de la même beauté « intelligible » qu’il s’agit en réalité dans l’un et l’autre cas.